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  El Festival

Festival Internacional de Cine de San Sebastián

         A la hora de abordar un análisis de un fenómeno cinematográfico tan complejo, y plagado de intereses de tan diversa naturaleza, como el Festival Internacional de Cine de San Sebastián se hace necesario una cierta distancia temporal que solamente se puede conseguir con la perspectiva que dan los meses. Y como no es este el caso, puesto que en la sociedad hiper-informada en que tratamos de desenvolvernos nos obliga a una suerte de alquimia periodística capaz de enfrentarse al siempre exigente criterio de actualidad, me veo obligado a escribir esta crónica con excesiva celeridad y con la ya mencionada escasez del necesario tiempo de reflexión. Pero al margen de estas consideraciones personales sobre la profesión periodística a modo de excusa propia, que imagino al lector poco o nada le interesarán, la 55ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián ha dado para mucho.

            En lo que a cine se refiere, la presente edición del festival se puede resumir recurriendo al siempre fértil terreno del refranero popular español. Y es que un fugaz vistazo al programa del festival ya nos avisaba de que a priori el festival nos iba a dar una de cal y otra de arena, o lo que es lo mismo, una de celuloide y otra de papel mojado. Y no le faltaba razón. Las propuestas de este año para el festival se han movido en un terreno siempre complicado, oscilando entre las iniciativas arriesgadas, como las mostradas a la hora de programar las retrospectivas clásica y moderna,  y las apuestas complacientes para con un determinado sector de la industria cinematográfica nacional e internacional (productoras, distribuidoras, escritores encumbrados y demás agentes culturales transnacionales). No se explica sino que junto a las ya mencionadas retrospectivas programadas este año, Henry King y Philippe Garrel, arriesgadas tanto por su desconocimiento dentro de nuestras fronteras como por las proposiciones fílmicas que ambas carreras presentan, se haya optado por proyectar películas de tan escasa profundidad y rigor cinematográfico como la última película de Michael Radford (Un plan brillante) o la enésima aportación hollywoodiense al decrépito cine de acción norteamericano protagonizado por la estrella de turno venida a menos, en este caso Samuel L.Jackson (Cleaner).

            Pero haciendo justicia a la realidad, que es de lo que se trata a la hora de informar, me veo obligado a señalar que desde los aficionados al cine, entre los que me cuento, no se puede dejar de agradecer a la organización del festival parte de la programación ofrecida este año. En concreto creo que además de las ya mencionadas retrospectivas (Henry King y Philippe Garrel) exhaustivas y necesarias las dos, ha habido grandes aciertos como la organización de la sección paralela Fiebre Helada en la que se han proyectado joyas cinematográficas de Islandia, Dinamarca, Finlandia, Noruega o Suecia, que o bien se estrenaron fugazmente en España o bien no se llegaron a estrenar nunca. Ha sido un lujo poder ver en cine varias películas de Bent Hamer, Aki Kaurismaki, Ragnar Bragason o Simon Staho.

            Otras iniciativas ya habituales en San Sebastián como la sección Horizontes Latinos, dedicada a películas de habla hispana, ha ofrecido un buen puñado de buenas películas a las que el destino, en su caso en manos de distribuidoras con escasa amplitud de miras, les puede dejar fuera de los circuitos comerciales. Es el caso del documental Lucio, película muy interesante que retrata la figura de Lucio Urtubia, el anarquista navarro que además de trabajar como albañil consiguió atracar el Citybank británico para con sus fondos financiar la lucha anarquista. Otro acierto de esta sección, además de muchas otras no mencionadas por la escasez de espacio y tiempo del que dispongo, fue la proyección de la excelente La soledad de Jaime Rosales, película presentada en el pasado festival de Cannes, y que se erige como un exacto tratado fílmico sobre la soledad cuyas propuestas narrativas se agradecen en una cinematografía tan complaciente como la nuestra.

            Por último, la también habitual sección Perlas de otros festivales nos ha permitido ver en España películas que han sido estrenadas este año en festivales cinematográficos de todo el mundo y que debido a los criterios de los distribuidores españoles es probable que no podamos verlas en España durante este año, y quizás solamente lleguemos a verlas en DVD. Películas como Control de Antón Corbijn, La escafandra y la mariposa de Julian Schanbel El abogado del terror de Barbet Schroeder, la hilarante Death At Funeral de Frank Oz, la restauración del documental beatleiano firmado por Richard Leister, Help, la tailandesa Ploy, o las muy esperadas Lady Chaterley de Pascale Ferran o En el valle de Elah de Paul Haggis. Mención aparte merece la proyección dentro de esta sección de 4 meses, 3 semanas y 2 días de Christian Mungiu, Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes y que recibió en San Sebastián el premio FIPRESCI, otorgado por la asociación internacional de críticos cinematográficos, a la mejor película del año. Segundo largometraje de Mungiu que esboza con una cuidada puesta en escena la situación del aborto ilegal en Rumania tras la caída del régimen militar de Ceaucescu.

            A modo de conclusión se puede señalar que después de esta 55ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, el ánimo que nos queda es bastante ambiguo. Por un lado no se puede dejar de alabar las atractivas propuestas, ya citadas anteriormente, pero tampoco podemos olvidar que también se han visto películas en San Sebastián que distan mucho de merecer ser exhibidas bajo el amparo de un Festival de cine, algo supuestamente serio, que debería apostar únicamente por películas de contrastada calidad artística. Además, el sentimiento de decepción no viene exclusivamente por la vía de las malas películas proyectadas, situación que mal que me pese juzgo inevitable dentro de un festival de cine. La decepción también proviene del hecho de comprobar que muchas de las grandes películas que hemos podido ver durante esta semana larga se mantendrán dormitando el sueño de los justos en virtud de las pésimas políticas de exhibición que se manejan en el seno de las distribuidoras españolas.

            Crónica

                       Por Ignacio Urigüen Etxeberria             

Sección Oficial

Crónica

Por Ignacio Urigüen Etxeberria

Al igual que el resto del festival, en el que se han ido intercalando las buenas con las no tan buenas películas, e incluso con las decididamente malas películas (situación que supongo inevitable en un festival de cine), el conjunto de la Sección Oficial ha dejado un sabor cuanto menos agridulce, aunque haciendo justicia a la historia del cine y al peso de las grandes figuras del cinematógrafo, el sabor sería más agrio que dulce.

La Sección Oficial comenzó en su primera jornada, la de apertura del festival, con la proyección de una apuesta sobre seguro. De esas que sabes, por la trayectoria del que la firma, que aunque te pueden deparar alguna sorpresa, negativa o positiva, nunca van a resultar torpes en su puesta en escena. Es lo que conlleva años enteros dedicados al oficio del cinematógrafo. Por tanto,  apuesta segura como digo tanto para el espectador más profano como para el profesional más avezado. La película en cuestión fue la última del director canadiense David Cronenberg, Promesas del Este, que narra las desventuras de un soldado de la mafia ruso, encarnado por el siempre efectivo Viggo Mortensen, en su azarosa relación con una enfermera del Londres suburbial, retratado en la película con cierta riqueza visual, cuando ésta se hace por casualidad con algunas pruebas incriminatorias para con el clan mafioso al que pertenece Mortensen. Aparentemente filmada bajo prepuestos narrativos eminentemente clásicos, la película, que se aleja notablemente de la calidad de otras obras del director, incluso de su anterior película, la también protagonizada por Mortensen, Una historia de violencia, consigue plantear algunos aciertos discursivos y temáticos aunque denota cierta falta de veracidad en lo que se nos está contando.

Además de presentar ciertas reminiscencias superficiales a alguna de las señas de identidad de sus anteriores obras (caso de los explícitos y bizarros planos detalles del feto y de las mutilaciones), uno de los aciertos más considerables de la película es la presentación de la ambigüedad moral del protagonista (villano y héroe al mismo tiempo en virtud de alguna solución dramática de guión poco inesperada), y del uso que éste y sus jefes hacen de la violencia. Aunque esto nos pueda resultar algo ya visto en pantalla  sobremanera, la forma fílmica en que resultan tratadas en escena no deja de ser sumamente correcta y eficaz, logrando en algunos momentos del metraje que el espectador se introduzca en el drama con cierto interés. En general se puede decir que formalmente la película alterna los aciertos y los fallos con una cadencia similar, lo que ha producido en casi todos los que han visto la película la misma sensación, que la película es notable pero podría haber sido bastante más de no ser por la ya mencionada sensación de falsedad que la puesta en escena provoca y que hace, que a pesar del buen oficio mostrado por los intérpretes, los espectadores no lleguemos a creernos del todo sus emociones, motivaciones y acciones.. En definitiva, la película de Cronenberg se exhibió como una demostración de buen oficio y como una aceptable apertura de festival, pero nada más.

La siguiente jornada estuvo marcada por la presentación de la primera película española que competía este año en sección oficial, Mataharis de Iciar Bollaín.  He de reconocer que no soy un gran admirador de Bollaín, pero nunca dejo de ver una película por tan rigurosos escrúpulos. Además, visto el revuelo suscitado por esta, con una previsible rueda de prensa multitudinaria incluida, y que en la antesala de las proyecciones eclipsó a la otra película presentada a concurso, La batalla de Hadiza de Nick Broomfiled, allí me fui, a ver lo que se me ofrecía esta propuesta patria. Lo cierto es que no tengo mucho que decir de la película de Iciar Bollaín, que a pesar de contar con buenas intenciones, buen presupuesto y con un reparto que más quisieran muchos de los directores nóveles de nuestra cantera cinematográfica, la película naufraga de manera considerable a la hora de contar una historia con imágenes, que es de lo que se trata en esto que llamamos cine. Además, si al escaso valor formal del discurso empleado le añadimos algunas lagunas de guión, referidas sobre todo a la construcción de determinados personajes que nos los hace increíbles en sus motivaciones, tenemos la tónica habitual del festival: poco cine.

Mi consideración al margen me merece la película de Broomfield (incomprensiblemente ganador del premio al mejor director, es de suponer que la concentración de vino tinto de rioja en la sangre de los miembros del jurado del festival, personas que suponemos no están acostumbradas a estos caldos, se hallaba en niveles cercanos al colapso sanguíneo, puesto que si no, no se entiende la decisión de concederle tal premio). La batalla de Hadiza narra la matanza, a modo de represalia estadounidense sobre la población iraquí, que tuvo lugar en la citada ciudad tras un ataque bomba sobre las tropas norteamericanas. Aunque a nivel temático, las buenas intenciones son claras, en palabras del director “lo que trataba de mostrar es cómo la falta de confianza entre ambas partes conlleva a una situación de falta de entendimiento abocada al terror”, la plasmación formal del mismo es sencillamente horrible. Encuadres arbitrarios (con el habitual exceso de mareantes primeros planos), sobreexposiciones carentes de cualquier rigor narrativo (sé que estas afirmaciones puede resultar demasiado osadas pero son algunas de las ideas que pude extraer de las respuestas del director en la posterior rueda de prensa al pase de la película), planos de desmembramientos completamente innecesarios cuyo único acierto es evocar en el espectador la más baja de las pasiones humanas, el morbo gratuito (en concreto los referidos a la explosión de la bomba), además de una construcción de personajes mediocre, ornamentada con una apariencia de contradicción que lejos de hacer que resulten veraces los personajes los convierte en una caricatura del ser humano. En definitiva, una película cuya vocación es honesta (por lo menos no plantea el conflicto en términos maniqueos, lo cual hubiera supuesto el colofón al despropósito) pero que a nivel cinematográfico (y esto es lo nuclear puesto que no hay ética sin estética) deja mucho que desear.

Después de la decepción causada el día anterior, aunque he de reconocer que no en todos los que la vimos, puesto que mi asombro fue mayúsculo cuando al día siguiente de sufrir en mis ojos las proyecciones anteriormente citadas compruebo cómo son numerosos los artículos de alabanza hacia la película de Nick Broomfield, pero esa es otra historia. Como decía,  después de mi decepción por lo visto el día anterior, me fui a ver las dos proyecciones de sección oficial del día con la mochila de las expectativas por el suelo, supuse que sería mejor así, de ese modo nada podría decepcionarme tanto. He de confesar que esta táctica de espectador siempre me ha resultado útil y que por tanto la recomiendo al que le pueda interesar. Las películas a concurso de este tercer día fueron algo mejor, todo sea dicho. La primera, titulada La Maison, última colaboración entre el cineasta francés Michel Poirier y el actor español Sergi López, me pareció una película sincera y correcta, que teniendo en cuenta lo visto anteriormente fue más que suficiente. La trama fílmica gira en torno a un padre de familia (Sergi López), divorciado, solitario y con tres hijos pequeños que un buen día, estando de paseo con unos amigos por la campiña francesa se interesa por una casa embargada. Comienza a indagar en la historia que tiene detrás la casa y descubre la historia de dos hermanas obligadas a vender la casa de su padre, fallecido en la absoluta bancarrota, por imposibilidad de hacer frente a las deudas del progenitor. La casa, y la lucha por conservarla, se convierten de este modo en símbolo de todo lo que el personaje de López no ha podido conservar y hacer florecer en su matrimonio. En definitiva, la casa y la historia de estas dos jóvenes se convierten en una suerte de posible redención para el protagonista. Filmada con mucho gusto estético, con multitud de planos largos, en los que se suceden los encuadres del protagonista completamente solo en cuadro con la inmensidad del plano vacío, una iluminación muy cuidada, a la manera de los cuadros de Hopper, y con grandes aciertos narrativos como el recurrente empleo del fuera de campo para subrayar al aislamiento interior del personaje, la verdad es que la película merecía más de lo que obtuvo de críticos y periodistas diversos. Estos que la jornada siguiente la despachaban sin reproches ni alabanzas, olvidándola en pos de la otra película a concurso ese mismo día, la película de Hana Makhmalbaf, jovencísima hija del director iraní Mossen Makhmalbaf, Budha Collapsed Out Of Shame, que supuso la habitual aportación de las cinematografías árabes a San Sebastián (que todo sea dicho, suelen salir bien paradas del mismo, como la premiada hace unos años, Las tortugas también vuelan).

A pesar de la cálida recepción que la película iraní ha obtenido por la mayoría de la prensa acreditada, como por los numerosos espectadores que se acercaron a verla, ésta padece los mismos defectos que buena parte de la producción cinematográfica actual. Estos es, innumerables primeros planos poco o nada pertinentes, una tremenda confusión entre lo que significan y lo que deberían ser ritmo de montaje y ritmo narrativo de una película, y una base argumental, por supuesto de decidido corte políticamente correcto, diseñada con precisión científica para atraer el favor de los jurados de los diversos festivales de cine del mundo occidental. Ambientada en el Afganistán de los talibanes, la película cuenta la lucha de Baktay, una niña afgana de cinco años, que en su obstinación por poder ir a la escuela se enfrenta con la inocencia y el desparpajo propios de su edad a la represiva sociedad talibán. A pesar de contar con una buena premisa narrativa y con un discurso temático de gran altura moral, la película se ahoga en el pantanoso dominio del cine hablado, contrario en su naturaleza al cine-imagen, es decir, al cine. No podemos pasar por alto que una película debe de poder expresarse a través de la imagen (en ello consiste el cine, en contar algo mediante imágenes en movimiento) y no refugiar su discurso en el texto hablado. Es aquí donde más falla Budha Collapsed Out Of Shame, en una puesta en escena demasiado complaciente en la que los excesivos primeros planos, concatenados uno detrás de otro sin permitir tiempo posible para la reflexión, terminan por destrozar todas las buenas intenciones planteadas desde su concepción temática.

La jornada del lunes nos deparó alguna sorpresa. No por la exhibición de Cine con mayúsculas, lo cual hubiera sido de agradecer, sino porque una de las películas presentadas a concurso, que contaba con un reparto interpretativo de muy alto nivel, mostró algo de cine elaborado gracias al correcto empleo de los medios cinematográficos propios, y no solo por el recurrente empleo de la palabra para contar una historia, tónica habitual del festival. La película referida fue Emocional Arithmetic, una coproducción anglo-canadiense dirigida por el franco-canadiense Paolo Barzman, que cuenta con Susan Sarandon, Max Von Sydow, Gabriel Byrne y Christpher Plummer como principales actores.

Contada a través de flashbacks y flashfowards, alternados con el desarrollo diegético natural de la historia, la película se centra en el reencuentro después de varias décadas de tres personajes (Sarandon, Sydow y Byrne), cuyos destinos se juntaron por vez primera en un campo de concentración bajo dominio alemán durante la segunda guerra mundial, y que se vuelven a ver transcurridos unos cuantos lustros. Como señalaba anteriormente, además del gran trabajo interpretativo de todos los actores, en especial de un Gabriel Byrne bastante comedido, la película acertaba en la presentación de los conflictos interiores causados por el recuerdo del pasado sin caer en el estereotipado fácil y sensiblero. Para ello, Barzman se sirvió de unas composiciones de encuadres muy trabajadas en las que los fondos siempre aparecen fuera de foco (a mi entender gran acierto narrativo para mostrar el obligado ensimismamiento de los personajes tras sus tragedias personales y su incapacidad para la relación con el exterior). También cuenta la película con otros aciertos dignos de mención, en concreto los referidos a la estructura del guión, como pueden ser la presentación en el prólogo del pasado y presente de los personajes (mediante dos sucesivos flashfoward y flashback) para relacionarlo con el trasfondo temático de la película, que no es otro que el doloroso asunto de la memoria y los sufrimientos que esta puede causarnos. No puedo dejar de decir que fue una buena película que mereció bastante más de lo que le dieron.

La otra película de la jornada, la alemana Free Rainer, consiguió lo inesperado, la unanimidad de todos los críticos, entre sí y con el público, en su rechazo. No es de extrañar si nos atenemos a lo visto en pantalla, que no es otra cosa más que una concatenación de banalidades carentes de cualquier rigor no sólo narrativo sino que también temático. Cuenta ésta la historia de un productor televisivo que harto de crear monstruosidades televisivas, que a su juicio desmejoran a los espectadores, decide producir un programa de televisión que culturiza y desarrolle mentalmente la espectador (si el bueno de Preston Sturges saliese de su tumba y contemplase semejante despropósito fílmico, de evidente parentesco con su película Los viajes de Sullivan, le faltarían segundos para volverse de nuevo a su tumba horrorizado). Presentada como un alegato contra la polución televisiva y la desculturización que ésta provoca en nuestras sociedades, la película no sólo resulta pretenciosa en su contenido sino que además se convierte en un despropósito discursivo, con numerosos saltos de eje sin ningún rigor narrativo, y por tanto innecesarios, planos mal iluminados y personajes tan descabelladamente falsos que en vez de lograr un acercamiento del espectador para con ellos, nos distancian hasta la más remota lejanía.

La siguiente jornada se dedicó al cine hispano y latinoamericano con la proyección de la española Siete mesas de billar francés, de Gracia Querejeta, y la argentina Encarnación de la debutante Anahí Berneri. He de reconocer que no fui a ver la primera película, no por ningún tipo de antipatía hacia Gracia Querejeta o hacia su cine, nada más lejos de la realidad. Simplemente no puede ir porque la noche anterior, necesitado de un poco de respiro para mis pupilas, me fui a ver un par de películas de secciones paralelas que me sirvieron para reconciliarme con el festival.

De la película argentina debo confesar que fue la primera película del festival en la que me salí de la sala al de una hora de proyección más o menos. Sé que después de semejante confesión quizás no esté autorizado a verter ningún tipo de comentario acerca de la película, pero puesto que sufrí en mis carnes la primera hora de la misma no me voy a privar de exponer mis conclusiones extraídas en base a lo que vi. Y lo que vio no fue más que una historia más o menos interesante (más menos que más todo sea dicho) contada torpemente y sin ningún atractivo, ni visual ni temático. He de reconocer que no soy muy proclive a las películas de personajes desgastados de la vida, con deudas, un pasado mejor y pocas ganas de futuro (la película aborda la historia de Encarnación, una actriz venida a menos que agotada de luchar decide enseñar a su sobrina a disfrutar de la vida). Me parecen demasiado alejados de la realidad por exageración, y por lo tanto falsos. Pero si la película está bien contada, con imágenes elocuentes y recursos narrativos adecuados, estos personajes pueden llegar a resultarme aceptables. Pero este no fue el caso.

Y por fin llegó el día en que entre la maraña de películas presentadas a concurso apareció una pequeña joya, hecha con honestidad y sin pretensiones de ningún tipo, en la que por fin se pudo ver una buena historia, sencilla y revestida de la veracidad que poseen las cosas hechas con naturalidad, contada a través de cuidadas y pertinentes imágenes en movimiento. Además, para gran satisfacción mía y de muchos otros espectadores, a la postre resultó ser la ganadora del concurso, lo que imagino nos supuso un halo de esperanza para sobrellevar la resaca del festival. La película en cuestión es A Thousand Years Of Good Prayers de Wayne Wang. Debido a que le dedico un artículo a la película, en este apartado solamente señalaré un par de apuntes sobre su director. Es Wang, según lo que de él hemos podido observar en ruedas de prensa, entrevistas y presentaciones de sus películas (también ha estrenado durante el festival The Princess Of Nebraska), un cineasta auténtico, apasionado del cine de Godard y Ozu, es un cineasta que reflexiona sobre la imagen, que construye historias por medio de imágenes, y que se muestra próximo y sincero para con el público. Ha sido en definitiva uno de los grandes personajes de este festival junto con Philippe Garrel, muy por encima de otros personajes mediáticos del tipo Paul Auster o Richard Gere.

Ese mismo día, el comité de organización del festival decidió proyectar a concurso la película hongkonesa, Exodus de Pang Ho-Cheung. La película de Cheung, conocido en Europa por el éxito de su anterior film, Isabella, ofrecía a priori una trama cuanto menos curiosa, lo que suscitó bastante interés entre el público y la prensa. Cuenta Exodus la historia de un policía hongkonés que descubre durante el interrogatorio a un preso la existencia de una conspiración femenina mundial cuyo propósito es el exterminio de los hombres. Lo demás es fácilmente imaginable. Al comienzo de la declaración el policía duda de la veracidad del asunto, pero cuando el detenido desaparece, la supuesta conspiración se vuelve cada vez más real. Aunque no niego que la historia posee un evidente atractivo argumental, he de decir que según van avanzando los minutos del metraje el hastío para con los personajes y su historia se vuelve tan intenso que hace que la película pierda todo su interés inicial. Supongo que la causa principal de este aburrimiento se debe al constante empleo de soluciones argumentales y giros dramáticos vistos mil veces anteriormente en diversos thrillers y películas de serie negra, tanto clásicas como modernas. Pero tampoco quiero negar a esta sus aciertos que son varios. Por un lado, la película cuenta con un protagonista bastante simpático y bien construido (me acuerdo de las escenas escribiendo en su pupitre), un personaje que no sólo quiere descubrir la verdad como policía que es, sino que también quiere vivir su vida lo mejor posible. Un personaje que hastiado de su matrimonio (y probablemente de su trabajo) se refugia, y encuentra un respiro, en una relación adúltera con la mujer del desaparecido, personaje del submundo también bastante atractivo. Mención aparte merece la fotografía de la película que mereció el premio del jurado a la mejor fotografía del festival. He de reconocer que aunque durante la proyección me pareció que la estética plástica de la película era por momentos muy atractiva, con un empleo del color y de la composición de los encuadres muy interesantes, no puedo señalar nada de relevancia puesto que solamente he visto la película una vez y por tanto me veo incapacitado para juzgarla en las condiciones que se merece.

El festival iba llegando a su fin, llevábamos una semana de festival y aunque habíamos visto buenas películas, caso de la película de Wayne Wang, La Maison, Budha Collapsed Out Of Shame o Promesas del Este, el nivel general de la sección oficial no era todo lo elevado que debería. Creo honestamente que en una sección oficial de un festival de cine cualquiera, todas las películas presentadas a concurso deberían ser por lo menos buenas películas. Pero este no era el caso, y dudo mucho que sea el de otros festivales.

Pero esta jornada tampoco fue muy estimulante en cuanto a nivel cinematográfico se refiere. Aunque siendo justo con la primera película que se proyectó, Honeydripper de John Sayles, he de reconocer que por lo menos pasamos un rato entretenido, lo cual es de siempre de agradecer en un festival de cine. Cuenta ésta la historia del proceso de conversión del blues, género musical originario del sureste norteamericano, en lo que vino a llamarse Rock ‘n Roll. Con una recreación de la Alabama rural de mediados de los cincuenta bastante atractiva, y un reparto más que acertado, con Danny Glover a la cabeza, la película ofreció una muy buena clase de historia musical moderna. Lo cual es de agradecer. Pero en lo que a ejercicio fílmico se refiere, Sayles decidió situarse al margen para dejar que fuese la historia contada la que llevase el peso de toda la película. Se puede decir por tanto que lo que vimos fue una puesta en escena “de ausencia deliberada”. En definitiva, que a Sayles le había gustado tanto la historia que él mismo había escrito que decidió dejarla como estaba, esto es, una buena narración, en vez de tratar de convertirla en una película excelente. Se echó de menos por tanto un poco más de valor y riesgo en la puesta en escena.

Del resto de películas a concurso, que fueron Padre Nuestro de Christopher Zalla, Daisy Diamond de Simon Staho, Shadows In The Palace de Meejung Kim y Flawless de Michael Radford, a penas cabe resaltar algunos apuntes acerca de la primera. Del resto señalar que evidenciaron una vez más la tónica habitual de todo el festival, esto es, buenas intenciones, en muchos casos buenas tramas argumentales, un balance de aciertos y fallos equilibrado, pero poco Cine. De Padre Nuestro he de decir que me ha parecido una película muy honesta hecha con muy buen gusto, y con una reflexión sobre lo que significa contar una historia en cine. Contada a través de los patrones del cine negro, Padre Nuestra nos traslada al suburbio neoyorquino a través de dos personajes de origen mejicano envueltos en una trama de apariencias falsas y engaños que no desmerece en nada al mejor cine negro clásico.

Terminado el festival, y terminada por tanto la sección oficial del mismo, la sensación que nos ha quedado a todos es la de casi todos los años. En general ha habido tres o cuatro películas buenas, un grueso de ocho o nueve que a pesar de tener algunos aciertos resultan monótonas y pesadas, y cuatro o cinco películas que uno se pregunta que diantres hacen compitiendo en la sección oficial de un festival de cine de categoría A. Pero estamos en lo mismo de siempre, se nos dirá que por su situación temporal, después de Venecia, Berlín y Cannes, San Sebastián está en desventaja. Yo creo que no. No está en desventaja, sólo hace falta que se proyecten películas más arriesgadas, que las hay,  tanto en sus propuestas como en sus facturas, para que además de glamour y alfombras rojas pisoteadas por las rutilantes estrellas de turno, tengamos en San Sebastián cine de altura.

ONCHA DE ORO