El cine negro o film noir, producido esencialmente en los estudios de Hollywood, en los últimos años de la década de los cuarenta y cincuenta,presentan un mundo urbano oscuro y brutal, plagado de figuras violentas y neuróticas, con sombras densas y marcados contrastes entre luz y oscuridad .Este estilo de película, por sus escenarios e iluminación ,así como su tono sombrío y su atmósfera tensa en ocasiones asfixiante,tiene una relación directa (en parte), con el expresionismo alemán de los años veinte,con su iluminación de claroscuros,sus ángulos de cámara distorsionados y sus simbólicos diseños, un ejemplo lo encontramos en películas góticas del estilo de “El gabinete del Dr.Caligari(1919)” o Nosferatu de Murnau,y por otra parte, de las películas de terror americanas y de gansters de los años treinta,las cuales ya habían sido influidas por las grandes obras alemanas antes citadas.
Bajo esa influencia del cine alemán ,citar dos casos de cineastas importantes como Billy Wilder ,que nació en Austria y trabajo en el cine alemán o Robert Siodmak que nació en EEUU ,pero empezó hacer cine en Alemania, dirigieron míticas películas del cine negro como Perdición(1944) y Forajidos (1946) .De todos modos ,es importante destacar la aportación de escritores de novelas americanas de detectives,como Raymond Chandler y Dashiell Hammett, las influencias más inmediatas sobre este tipo de cine.Estas novelas marcaron una pauta a seguir en cuanto a contenido y definición de los personajes.La proliferación de estos films, también era producto del estado del país en aquella época, resultado de un negativismo a nivel general provocado por la Segunda Guerra Mundial y posteriormente por la Guerra Fría .El espíritu optimista y de unión se derrumbaba, y la desconfianza sobre el ser humano y las instituciones quedaba reflejado en esas películas.El cine negro esta caracterizado por esas actitudes cínicas hacia la naturaleza humana ,corrupta y sórdida.El término film noir fue acuñado por los críticos franceses, innovadores periodistas y grandes fanaticos de la cultura norteamericana. Críticos de la talla de Jean-Luc Godard,Eric Rohmer o François Tuffaut se fijaron en aquellas grandes joyas cinematográficas y comenzaron a examinar detenidamente la obra de Nicholas Ray,Aldrich,Lang;Tourneur y Anthony Mann entre otros.Pero en los EEUU ,no se alcanzó la apreciación del genero hasta la llegada de una nueva generación de entusiastas cineastas a finales de los sesenta.
Los protagonistas del film noir raramente  escapan  de  su angustioso pasado,a veces un episodio traumatico (como en Sed de mal) y en otras,  un  crimen pasional (como en Retorno al Pasado o Perdición). Estos personajes huyen de sus propios demonios del pasado como En un lugar solitario.Toda una pesadilla fatalista que gira entorno a la casualidad. Los acontecimientos se entrelazan, como una cadena irrompible que conduce inevitablemente a un final más que anunciado. En Perdición (Billy Wilder,1944),un agente de seguros herido por una bala efectua una confesion ante un magnetófono y cuenta la historia de cómo fue seducido por una bella pero desalmada mujer (una esplendida Barbara Stanwyck) dejandose envolver en un meticuloso plan ideado por ella para asesinar a su marido y cobrar su seguro de vida.En este caso la tematica es el crimen pasional, como sucede en El abrazo de la muerte    o  la anteriormente mencionada, Retorno al pasado.Conspiración ,amor,sexo y asesinato…factores vitales que desencadenan un universo de fatalidad vital en el cine negro.Perdición ,es un claro ejemplo de historia fatalista,con un crimen casi  perfecto     condenado al fracaso   y  la destrucción de su protagonista un agente de seguros (Fred MacMurray) encadenado hasta su fin, a una actractiva mujer fatal (Bárbara Stanwyck) deseosa de ver muerto a su marido y cobrar el seguro de vida.“Sí,yo lo maté…(comenta el protagonista al inicio de la narración); por dinero y por una mujer.Y ni conseguí el dinero ni la mujer”.

Como suele ocurrir en los Noir,el resultado más probable,es el fracaso del aspirante a asesino,como le ocurre al protagonista de este film Walter Neff. Barton Keys(Edward G.Robinson), ya vaticinaba el desenlace final para los dos criminales:”Un crimen nunca es perfecto,Se descubre tarde o temprano,Y cuando intervienen dos personas,más bien temprano…”
Edward G.Robinson no escaparía tampoco de un final fatalista,en la gran película de Fritz Lang  “Perversidad,(1945)”,donde en esta ocasión ,será él ,quien no pueda escapar de su trágico destino.El objeto de deseo en esta   ocasión ,  es el sexo  y  no el dinero encarnado en otra mujer fatal, Joan Bennett ,(Objeto de deseo usada ya en dos ocasiones por Lang, la otra fue en La mujer del cuadro) . Tanto Wilder como Lang sacaron partido a ese universo oscuro de fatalidad ofreciéndonos claros ejemplos de buen cine y obras maestras del genero.Pese a que la mayoría de protagonistas femeninas tienen un protagonismo por igual con la figura masculina,por muy dominante que sea la mujer,sin un hombre que destruir no hay mujer fatal.En estos tipos de películas, el  protagonista    masculino suele  estar obsesionado por la mujer fatal,la causa de su perdición o de su muerte. Laura(1944) es un ejemplo de esta obsesión destructiva .El detective esta fascinado por el retrato de la bella Gene Tierney como también le ocurre al protagonista de “La mujer del cuadro”.Joan Bennett interpretó a la mujer fatal en la ya nombradas “La mujer del cuadro y Perversidad (1945) (ambas de F.Lang),una mujer normal sin el glamour de Gilda y sin mucha astucia manipulada por un hombre sin escrúpulos, para humillar a su victima   de turno, el  pobre E.Robinson. Gilda es lo contrario,una bella y sensual mujer,amante de la diversión atrapada entre su esposo y su ex amante.Otras mujeres tienen tanto potencial asesino como los hombres, véase la escena inicial de la película de Samuel Fuller “Una luz en el Hampa” donde la prostituta Nelly golpea ferozmente a su chulo o Jennifer Jones en “Cartas a mi amada (1945)” donde sufre un ataque de nervios y asesina a su novio.Otro ejemplo es el de la bella Gene Tierney en “Que el cielo la juzge(1945)”, donde no se detendrá ante nada ,para que nadie se interponga en su matrimonio.Cierto es, que muchas mujeres protagonistas del noir son también víctimas.Wilma Tuttle en  “The Acussed(1949)” ,Norah Larkin en “La gardenia azul" de Fritz Lang (1953)” son algunos ejemplos de mujeres que sufren el acoso masculino.Otras mujeres,como Paula Alquist sufre el tormento psicológico de su marido en “Luz que agoniza (1944)”.Otras por el contrario,no sufren el tormento psicológico, si no las palizas de su marido,celoso de sus supuestas aventuras sexuales.
Para finalizar con este repaso,a la aportación de los personajes femeninos en el cine negro,destacar “The Hitch-Hiker(1953)” el único film negro dirigido por una mujer (Ida Lupino).

                   

NICHOLAS  RAY "El poder de la imagen"  (continua en cuaderno 3.(ver))                     Llamad a cualquier puerta(1949),Humphrey Bogart (el abogado) y Nick Romano

"Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver" es también una frase celebre de otra película de jóvenes problemáticos, anterior a Rebelde sin causa.En Llamad a cualquier puerta(1949),Andrew Morton, un prestigioso abogado liberal, surgido de los barrios bajos se hace cargo de la defensa de un joven delincuente, Nick Romano, acusado de asesinar a un policía .En esta película aparece en el papel principal Humphrey Bogart (el abogado),pero la vida del conflictivio joven Romano, es realmente la protagonista,dejando a Bogart lucirse solo en escenas concretas, como las de sus discursos ante el jurado.Para la filmación de  En un lugar solitario (1950),Ray volvió a contar con Bogart como protagonista,  un papel que borda a la perfección ,y con  Gloria Grahame,actriz con la que Ray mantenía una relación sentimental ,por lo que  se a dicho en muchas ocasiones que la relación que mantienen Dixon y Laurel era un reflejo de la suya propia.

Una chica es estrangulada y acusan a Dixon Steele (Bogart) del asesinato.Su enigmática vecina Laurel (Grahame),se enamora de Dixon  y le ayudara en la investigación para encontrar al autentico asesino.Los desequilibrios emocionales y el carácter amargado y violento de Dixon crean en Laurel la duda sobre su inocencia.La historia y su romance llegan a su fin cuando ella se da cuenta de que Dixon, es capaz de matar a cualquiera, aunque sea inocente del estrangulamiento. Humillación, resentimiento ,desesperación y soledad, sin duda una de sus películas mas logradas, con una puesta en escena impresionante con imágenes que nos quedaran grabadas para siempre en nuestra memoria, como el abrazo de Dixon a Laurel en el coche,del mismo modo en el que la víctima fue asesinada.

                    En un lugar solitario (1950),Humphrey Bogart  y Gloria Grahame.

Como ya hemos comentado anteriormente el uso del color en sus películas, a dotado a estas,de una gran fuerza visual,como es el caso de la adaptación a la pantalla grande de una vulgar novela del oeste de Ray Charslor (Johnny Guitar).Una película donde se invierten los roles de sexo típicos. La mujer o mejor dicho mujeres, asumen el papel de fuerza e inpendecia ,que corresponde al hombre en la mayoría de las películas del oeste, mientras que ellos se convierten en los objetos de deseo de estas.Esto se puede interpretar como un alegato al puritanismo de aquella época. Hoy día ,Johnny Guitar esta  considerada un western de culto,pese a los numerosos problemas que tuvo su autor durante el rodaje y los ataques sufridos por los malos resultados de la cinta, por parte de su estrella principal,la carismática actriz  que interpretaba el papel protagonista , Joan Crawford. La actriz ,que por aquel entonces rondaba los cincuenta años interpretaba un papel de mujer de aire varonil,que rompe con todos los tópicos del western clásico . Dirige con mano firme su  propio Saloon ,lugar donde ella pone las reglas,ante la hostilidad de su rival femenina y la de  sus vecinos.Sin embargo,el amor es para ella ,un juego de azar .En este juego de amores del pasado interviene el componente masculino, Johnny Guitar(Sterling Hayden),un antiguo amante de Viena,que da titulo a la película,aunque no sea el protagonista.Sin duda,en aquellos años no se apreció las numerosas virtudes de este singular western,a menudo considerado como una parábola de la era McCarthy (los hostiles inerrogatorios que sufre Viena por parte de  Emma y los vecinos) y filmado de manera que los colores parecen más plásticos, predominando los tonos verdes y rojos

Johnny Guitar .Su dominio del formato cinemascope,el colorido y la composión de sus imágenes influenciaron a todos aquellos jóvenes talentos que querían dar nuevos aires de renovación en el cine una década después.

INGMAR BERGMAN   Una fábula entorno a la muerte...

Tras la muerte de  Ingmar Bergman desaparece uno de los últimos estandartes de la cinefilia mundial,el más grande director conocido sueco y uno de los más grandes realizadores mundiales.Un clásico indiscutible,anterior a la revolución de los nuevos cines,la nueva ola francesa,el freecinema británico…sin duda era todo un superviviente, un nombre esencial en la historia del cine.La muerte era uno de los temas bastante frecuentes en la obra del director Ingmar Bergman y finalmente la encontró en la isla  Báltica de Faaro,a los 89 años.
El director sueco creció marcado por la severa  y puritana educación que recibió de sus padres,en especial la de su padre,un pastor luterano.Esta influencia se refleja constantemente en su obra (la muerte,la religión , el matrimonio,etc.).Durante su juventud se dedicó a estudiar arte y literatura,a escribir y dirigir obras de teatro,su otra gran pasión .En 1955 alcanzó el reconocimiento internacional como director con,”Sonrisas de una noche de verano”,ganadora del premio especial del jurado de Cannes.Un éxito que se repitió al año siguiente con “El séptimo sello"(1956),todo un clásico de la filmografía europea y mundial.

La emblemática película que dió a conocer al mundo en nombre de Ingmar Bergman hasta el momento limitado a las fronteras de su país natal.Una fábula entorno a la muerte,de gran fuerza visual.La fotografía en un nítido blanco y negro, plagado de simbología corre a cargo de Gunnar Fischer ,y sus imágenes  evocan algunas películas mudas del expresionismo alemán ,incluso a los films de Dreyer como Dies Irae (1943).Los escenarios  oscuros y apocalípticos  de la película, dan a conocer los miedos de su director ante la posibilidad de una catástrofe atómica .

La película narra la historia de un cruzado que regresa a su patria, asolada por la peste .El caballero parece ser el álter ego del director,un hombre que se cuestiona la existencia de Dios,una crisis de fe causada por la miseria y depravaciones morales del ser humano.

En ese 1940, un Ford metido de lleno en lo que todavía era el proyecto de “Las uvas de la ira” logró que Darryl F.Zanuck, por aquel entonces presidente de la Fox, lograse que Samuel Goldwin cediese a Toland para que trabajase en la película de Ford. La conexión se posibilitó y una nueva era lumínica en el arte cinematográfico daría sus primeros pasos.Los ya mencionados avances que Toland había aportado a la técnica fílmica, como el empleo de lentes anamórficas que permitían una profundidad de campo mucho mayor, lograron dotar a las imágenes de “Las uvas de la ira” de un realismo tridimensional. El trabajo del operador de cámara se deja notar claramente en el estilo natural que impregna toda la película. De ella nos quedan en la retina imágenes de insuperable belleza plástica. Caso de la escena de Ma Joad quemando sus recuerdos antes de la partida hacia California. Escena que, gracias al magnífico empleo del claroscuro que en ella hacen la pareja de cineastas, logra evocar en todo su esplendor esa obligada nostalgia que siente la protagonista. Otra escena de la película de una belleza desconcertante y sumamente expresiva es la de la llegada de Tom Joad (Henry Fonda) a su antiguo hogar. Imagen que resume por si sola toda la belleza pictórica del film. Primero con las inquietantemente expresionistas imágenes de Tom avanzando hacia la casa, con ambas figuras envueltas en una oscuridad absoluta, y recortadas por un cielo opresivo. Además de con el poderoso empleo del claroscuro en las imágenes del interior de la casa. Ford quedó tan maravillado del trabajo de Toland en esta película que llegó a decir: “ha hecho un gran trabajo de fotografía con absolutamente nada que fotografiar, ni una sola cosa bella, tan solo pura y buena fotografía”.

“Las uvas de la ira”(1940) de John Ford   fragmento de...(ver cuaderno 1ª)

No solo de artes marciales,yakuzas y samuráis vive el cine del sol naciente.En los últimos años el éxito del cine de terror japonés en todo el mundo es un hecho. Las fábulas japonesas sobre fantasmas o aparecidos sirven como pretexto para el estreno de las llamadas películas de Yurei,que representan el alma de un difunto asesinado enterrado incorrectamente o traicionado antes de morir.Estos sujetos buscan redención a través de la venganza ,el típico “ojo por ojo”.
En 1964 el film “El más allá” de Masaki Kobayashi,ya se abordaba el tema de los fantasmas y influenció a directores como Hideo Nakata (The Ring, Dark Water…) .
Los viejos relatos de Sanyutei Encho el “H..P.Lovecraft” nipón y Mamboku Tsuruya,se distinguían por su contenido violento, provocador (sexual) y fantasmal.Historias de los muertos que intentan comunicarse con los vivos y que tuvieron cierta popularidad y sirvieron de punto de partida a las primeras películas de fantasmas nipones.
En 1910,los japoneses adaptaron para el cine la obra de Encho,”Botan Doro”,sobre la relación amorosa entre una fantasma y un hombre vivo.Esto genero otra tendencia dentro del género de películas de época (con difuntos incluidos) que denominaron Jidai-geki.Otra historia de Encho también sirvió de base a una película muda,Kaidan Kasanegafuchi, del gran cineasta Kenji Mizoguchi en 1926.
Años después ,el propio Mizoguchi retomaría el tema con la famosa “Cuentos de la luna pálida “(1953),donde una mujer muerta intenta seducir a un hombre,en la época de los samuráis .Pero el gran maestro en este tipo de películas es Nobuo Nakagawa,el autor de Historias de Fantasmas Japoneses,en 1959,inspirada en la obra Yotsuya Kaidan,donde el fantasma de una esposa,que a sufrido la infidelidad de su esposo, regresa para vengarse.Todos estos relatos tradicionales son la inspiración de una nueva generación de realizadores de los 90.Directores que adaptaron y modernizaron las viejas leyendas   a  los  nuevos tiempos incorporando el tema fantasmal al mundo de la televisión, el anime o el manga.
Los elementos tradicionales anteriores y la leyenda  urbana sirven de base para películas de terror moderno como “The Ring”(1998) de Hideo Nakata, donde la mujer    suele  tener el  protagonismo sufriendo todo tipo de apariciones que la atormentan o siendo ella misma el espectro vengador.
En Estados Unidos ,el planteamiento de “historia real” o leyenda urbana en los 70 ,dió muchos beneficios a la taquilla. Películas como “la matanza de Texas “ causaron furor y sirvió de base a numerosas versiones o remakes.Como ocurre en Asia con el fenómeno “The Ring”.Otra franquicia que puso en marcha una serie de secuelas y precuelas (Ring 0) , una versión occidental americana ,incluso un plagio coreano.Tras este éxito, el furor por el cine de fantasmas da grandes beneficios a la industria de cine japonés ,que se dedicarán a readaptar y modernizar los clásicos ,con el objetivo de atraer más espectadores a las salas de cine.En The Ring o Dark Water el terror recorre apartamentos o mansiones,pero Kairo (Pulse),de Kiyoshi Kurosawa,trata una amenaza moderna,la que supondría un fantasma que circula por internet.Ya no es tan fácil huir de un peligro que puede entrar en cualquier habitación ,a través de pantallas y teclados.Kiyoshi Kurosawa es un director que combina los distintos mecanismos que funcionan en toda producción de terror .Cure(1998) es otro ejemplo, y trata de un asesino que utiliza la hipnosis ,en un thriller oscuro y aterrador, que supone un antes y un después en la filmografía de Kurosawa.Como podemos observar ,la tecnología es la nueva arma que utiliza el mal para su único objetivo “la venganza”.

Los móviles ,los ordenadores y las cintas de video siembran el caos,como ocurre con “Llamada perdida”,película que Takashi Miike dirigió en el 2003 y que apareció en las salas españolas en el 2005.Miike,director de culto con películas del genero fantástico como Agitador,Gozu y la violenta trilogía de “Dead or alive”, realizó en 1999, una de las películas más polémicas y terroríficas jamás filmadas “Audition”.Película que contiene uno de los finales más sádicos nunca vistos en un film comercial.